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viernes, 22 de octubre de 2021

Pablo Iglesias y "El juego del calamar"


 

 

Es un personaje con el que me felicito no coincidir, siempre me ha recordado a viejas amistades de juventud con las que jamás conectaba, a pesar de intentarlo sobrehumanamente, pero he de admitir que en esta polémica surgida sobre la miniserie de Netflix que arrasa en televisión y en debates seudopolíticos y culturetas, el artículo publicado el 19 de octubre por Pablo Iglesias me parece bastante acertado, tanto en la cuestión cinematográfica como en la reflexión social del mismo. Sé que le están cayendo más peñascos que a los habitantes de La Palma con el volcán, pero creo que no ha de importarle, ya que procede de los de siempre, de los que apuestan por un capitalismo salvaje disfrazado de economía liberal y no les importaría situarnos en esa ficción para satisfacer sus intereses económicos. Este es su artículo, juzguen ustedes por sí mismo y no por lo que les cuenten en las manipuladas tertulias radiofónicas y televisivas:

 

"El juego del calamar o el capitalismo como inmundicia moral"

La serie arrasa en todo el mundo. Se ha convertido en un tema de conversación planetaria al nivel del fútbol. Personajes públicos de diferentes ámbitos hablan de ella y ya se puede comprar el chándal de la serie por internet (igual hasta me pillo el 001). Es un fenómeno cultural mundial con todas las letras.

En términos estrictamente cinematográficos se le han hecho muchas críticas: exceso de metraje en algunos capítulos, redundancia de planos, tramas previsibles, quizá un desenlace fallido... pero que no sea una obra maestra ni un manjar para cinéfilos no hace que El juego del calamar deje de ser, además de fenómeno cultural, un artefacto político de enorme potencia. Y, ¿qué quieren que les diga? a mí los homenajes a El show de Truman de Peter Weir o a Eyes wide shut de Kubrick me resultan agradables y para nada me disgustan los elementos estéticos propios, al parecer, de un cine coreano (dicen los que saben que esto es la mezcla de humor y melodrama) que desconozco pero que parece muy interesante.

Su director, Hwang Dong-hyuk, reconoce que El juego del calamar fue escrito como “una fábula acerca de la sociedad capitalista moderna, algo que representase una competición extrema” y es aquí donde la serie me parece una proeza que consigue lo que no consiguió Los juegos del hambre, a saber, presentar el capitalismo como una maquinaria de destrucción moral, como un sistema abyecto. Al hacerlo, toca el fundamento de toda lucha emancipadora y del propio marxismo: la náusea moral. El marxismo y el compromiso político que acarrea es básicamente eso, una náusea moral frente al capitalismo que después se llena de saberes técnicos y científicos para el combate político (quede así respondido esto de mi amigo Amador Fernández-Savater). Y la razón para ese combate lleno de complejidades no son tanto los intereses de clase como una sublevación moral ante la injusticia. Este humanismo es precisamente el lugar de encuentro del marxismo con los demás humanismos (como el cristiano). Les aseguro que El juego del calamar va a gustarle al Papa y quizá por eso la derecha viene con lo de que no la vean los niños ¡Pues claro que no la tienen que ver los niños! Ni esta serie, ni Rambo, ni El muñeco diabólico ni mucho menos algo de Lars von Trier.

Pero volvamos a ella. La serie provoca la indignación moral frente al  capitalismo de cualquier persona decente que la vea, y permite comprobar cómo la maquinaria de la competición y el individualismo no es más que la destrucción de todo lo hermoso del ser humano que solo puede descansar en el cuidado de lo común y en el Derecho como protección frente a la violencia de los más fuertes. Por eso hay que ver y hablar de El juego del calamar, porque permite restituir muchos universales éticos incompatibles con la lógica capitalista y sus valores.

La serie ridiculiza la creencia neoliberal de que el éxito es el resultado del esfuerzo y el mérito, reivindica la dignidad de la huelga como expresión del compañerismo en la memoria de un personaje frente al individualismo, critica la explotación salvaje de los trabajadores migrantes retratando a un obrero pakistaní como ejemplo ético frente a la bajeza y el cinismo de un estafador financiero, desmonta el dogma neoliberal de la “libertad de elección” e incluso presenta el machismo como consustancial a la dinámica competitiva.

Véanla y hablen de ella. Y no, no se la pongan a los niños ni les den cerveza.

 

Autor: Pablo Iglesias

 

 

lunes, 2 de agosto de 2021

"Regreso a Hope Gap"

 

 
 
 
 
Vista la semana pasada. Película recomendable (no suelo traer a mi página películas que no lo son), con una Annette Bening inconmensurable. 
 
 
 
 

lunes, 21 de junio de 2021

Robin Wright: "En un lugar salvaje"

 

 

 

Película “Land” titulada en España “En un lugar salvaje”,  dirigida y protagonizada por Robin Wright, aquella amiguita y más tarde esposa de Forrest Gump. La cinta es un canto a la tristeza, acompañada de una envidiable localización en la que Bobby Bukowski logra hacernos llegar los efectos maravillosos que encierra la naturaleza.

Como he comentado anteriormente, los protagonistas de esta película (algunos considerarán que más que película es un documental, como ya pasó con “Nomadland”) son personas derrotadas por los avatares de la vida que tratan de refugiarse en su soledad para soportar los grades padecimientos que sufren, por eso, no la recomiendo para personas que no soporten la tristeza y que tengan el canalillo lagrimal fácil. Para mí es encantadora, desgarrante, bellísimamente humana, y aunque parezca que sólo nos hable del dolor de las personas también nos muestra que incluso de los más hondo del pozo se puede salir, que la superación es posible mientras te quede un pequeño soplo de vida en el cuerpo.

Bienvenida cintas como esta y bienvenida a la dirección cinematográfica otra mujer, confiemos en que se prodigue y que nos ofrezca nuevos trabajos de la calidad de éste.

 

 

 

lunes, 14 de junio de 2021

Luis García Berlanga: Todo un centenario


 

 

 

El pasado sábado se cumplieron cien años del nacimiento de uno de los mejores directores de cine de España, hablo de Luis García Berlanga, responsable de películas tan rotundas y contundentes  como “Plácido”, “El verdugo”, “La escopeta nacional” “Los jueves, milagro”, “Bienvenido, Mister Marshall”, “La vaquilla”, y un largo etcétera.

Berlanga renovó el cine de posguerra y supo retratar con un aire de mordaz ironía la sociedad anquilosada del franquismo, así como el desenfreno corrupto que surgió en la transición política posterior.

Merecido es este humilde homenaje a este cineasta que tanto hizo por el séptimo arte y que tanta influencia ejerció sobre la nueva generación de directores españoles.    

 

 

     

martes, 8 de junio de 2021

"Mare of Easttown"


 

 

 

Miniserie de siete capítulos de HBO que no te deja levantarte ni siquiera para tomar agua o ir al baño, de momento lo mejor que se ha estrenado en lo que llevamos de año.

Dirigida magníficamente por Craig Zobel, con unos inteligentes guiones de Brad Ingelsby  y una bellísima fotografía de Ben Richardson, la serie nos permite disfrutar desde el primer capítulo hasta el último de una trama sociopoliciaca en la que la actuación de Kate Winslet es sensacional (hay actores que como el buen vino maduran con los años), así como el resto de participantes.

Aunque se ha exhibido semanalmente, he preferido verlas una vez finalizada para poderlo hacer del tirón, actitud que he agradecido, ya que dudo mucho que con la dinámica absorbente de los distintos capítulos hubiera logrado mantener el ritmo pausado de los mismos. Satisface ver algo bueno de vez en cuando.  

   

 

 

 

martes, 1 de junio de 2021

Charlie Chaplin: El mago del cine

 

 
 
 
 
Valgan estas imágenes de "El chico" ("The Kid") para mostrar el ingenio de este creador: "Tiempos modernos", "Luces de la ciudad", "La quimera del oro", "Candilejas", "El gran dictador", "Un rey en Nueva York", etc., cualquiera hubiese servido para confirmar lo expresado. Actor, director, guionista, compositor de música, productor, Chaplin ha quedado como una referencia cinematográfica donde mirarse los que quieran dedicarse a esto del séptimo arte y a los amantes cinematográficos que pretendan ver buen cine.






martes, 18 de mayo de 2021

John Frankenheimer: "Siete días de mayo"


 

 

 

 

Después de muchos años he vuelto a visionar “Siete días de mayo”, película de John Frankenheimer rodada en 1964, e interpretada magníficamente por Kirk Douglas y Burt Lancaster.

Por razones que todos podemos imaginar, esta es una de esas películas malditas (caso similar al de “Soldado azul”, “Queimada”, “Senderos de glorias”, “Missing”, etc.) que no son muy frecuentes en la cadena de proyección comercial. Volvamos a la película. En ella nos cuentan el intento de derrocar al presidente de los EE.UU. mediante un golpe de estado ideado por los militares y bendecido por los sectores más reaccionarios del senado.

Como reconocerán, esto es algo inusual en el cine producido en esta nación, los pronunciamientos militares siempre se producían lejos de sus fronteras, aquí sólo ocurrían fenómenos paranormales, llegada de naves extraterrestres, amenazas de meteoritos, olas gigantes, etc., pero jamás, hasta esta película, ha reflejado la posibilidad de un golpe de estado, algo impensable para el ciudadano medio estadounidense hasta que el mandato de  Donald Trump y el asalto al Capitolio por parte del sector ultra del país, ha quitado la venda a más de uno y le ha hecho ver que lo que refleja la cinta puede ocurrirles en cualquier momento si se deja actuar a los enemigos de la democracia.

Película recomendable con una interpretación destacada y creíble  de Burt Lancaster en el papel de general golpista, y magnífico también Kirk Douglas interpretando (como en “Senderos de gloria”) al militar constitucional  y responsable. 

 

 
 
 
 
 

lunes, 26 de abril de 2021

Resultado de los Oscar 2021


 

 
Como ya adelanté hace unos días al presentar la película Nomadland, esta madrugada ha sido elegida la ganadora: Mejor película; mejor dirección y mejor actriz (con este ya son tres los que recoge Frances Mcdorman). Los que apostábamos por ella no nos hemos equivocado.
 
 
 

viernes, 9 de abril de 2021

Nomadland

 

 

 

 

 

La película es un “antojo” de la propia Frances McDormand al conocer la historia que describía Jessia Bruder en su libro, tanto que inmediatamente adquirió los derechos del mismo y contactó con  Chloé Zhao  para que la dirigiera.

Para resumir la película, esta nos introduce en el mundo de aquellos que espoleados por algún desegradable acontecimiento, decidieron abandonar el modelo de sociedad americano. La cinta se fundamenta en las consecuencias que produjo la crisis económica de 2008, unido a los problemas de salud en unos casos, familiares en otros,  quizás la búsqueda –nunca tarde- de una vida espiritual que humanice el último tramo de sus vidas, o, como en el caso de la protagonista, la muerte del compañero y -el golpe definitivo-, el cierra de la empresa donde trabajaba . 

La directora logra rodar un “Wéstern” moderno lleno de realidad, utilizando para ello actores no profesionales (menos Frances y David Strahairn)  que potencian esa sensación de verdad que transmiten sus imágenes, y que cuando venimos darnos cuenta  ya nos ha abducido y hemos pasado a formar parte del conjunto.

Lo mejor del año. Probablemente sea la triunfadora de la próxima gala de los Óscar, la dirección de Chloé Zhao es impecable (ya lo demostró en su anterior cinta, “The Rider”), y qué contar de Frances McDormand que ya no se haya dicho: ¡sublime!, aportando a la película el requerimiento exigible: la entrega total al personaje que representa.  Merece la pena verla, son de las pelis que aquietan el alma, medicina necesaria para los tiempos que corren.

 

 

 

 

 

   

viernes, 2 de abril de 2021

Judas y el Mesías negro

 

 
 
 
 
 
 
 

Si algo positivo tiene este autoconfinamiento es que nos “regala” más tiempo para dedicárselo a tareas que con la “normalidad” teníamos más limitada, una de estas –en mi caso- es el Cine.

Ayer vi “Judas y el Mesías negro”, una interesante película del director  Shaka King  donde nos relata una historia real: la de Bill (interpretado por Lakeith Stanfield), un vulgar delincuente reclutado por el FBI para infiltrarse en el partido de los Panteras Negras, y la de Fred Hampton (magnífica interpretación de Daniel Kaluuya), un carismático líder antirracista al que eliminaron de la escena pública con esos métodos “democráticos” que nos tiene acostumbrado el Imperio.

Una recomendable película que no nos descubre nada nuevo de los Estados Unidos, pero nos hace pasar unos interesantes 126 minutos. Acertada dirección para un buen guión en la que destacan los actores, sobresaliendo Kaluuya en su papel de activista y Jesse Plemons en el de agente del FBI.

 

 

 

 

miércoles, 17 de marzo de 2021

Maudie, el color de la vida

 

 

 

 

 

Película de 2016 dirigida por la realizadora irlandesa Aisling Walsh, donde nos cuenta parte de la agitada y sufrida vida de la pintora canadiense Maud Lewis. 

La cinta está protagonizada por Sally Hawkins y Ethan Hawke -extraordinarios en los papeles que interpretan-, el guión Sherry White, con una música bastante aceptable de Michael Timmins y una no menos extraordinaria fotografía de Guy Godfree. 

Resumiendo: una entretenida película para ejercitar los sentimientos y que me sorprende que no haya conseguido más premios cinematográficos. 

 

 

 

 

lunes, 26 de octubre de 2015

Francis Ford Coppola: Premio Princesa de Asturias de las Artes









Me hago eco de una frase escuchada en una emisora de radio esta mañana: “Para qué siguen haciendo cine, si ya está hecho EL PADRINO”. No se puede decir más con menos. Merecido premio el que le otorgan en nuestro país a uno de los creadores más importantes del universo cinematográfico: Premio Princesa de Asturias de las Artes a Francis Ford Coppola, autor también, entre otras, de la enigmática Apocalypse Now, basada en la no menos enigmática novela de Joseph Conrad “El corazón de las tinieblas”.

Coppola ha sido un narrador excepcional del absurdo de la guerra y de la ambición humana, emprendedor y creativo, fue también merecedor de cinco Oscars, dos Palmas de Oro en Cannes y cuatro Globos de Oro. Este premio que recibe ahora, esperamos su legión de admiradores que no sea el colofón a su obra, pero sí desde luego, un merecidísimo galardón y posiblemente la joya de la corona de su dilatada carrera cinematográfica.     


Autora: Carmen Bermúdez



      

domingo, 8 de marzo de 2015

Carlos Vermut: "Magical Girl"









Hacía tiempo que no disfrutaba con una película española. He ido a verla con cierto recelo porque "los entendidos" llevaban sus críticas hasta los extremos menos recurrentes, encontrando entre ellos a quienes la encumbraban como obra maestra, y en la parte opuesta, a los que nos advertían para que no perdiésemos el tiempo viéndola. Al final me he "arriesgado" y la verdad es que ha merecido la pena. Yo no soy un entendido de cine pero sé cuándo algo me gusta, cuándo me transmite algo profundo que no sabes explicar a quien tienes al lado, igual que me sucede con la pintura y la música, la lectura o cualquier otra forma creativa. Sé que es un criterio muy básico para analizar el arte, válido sólo para andar por casa, pero da estimables resultados, y esta película de Carlos Vermut lo ha conseguido: atizarme ese calambrazo emocional que proyecta cualquier obra de arte que se precie y con la que cualquier realizador se sentiría satisfecho. Si el objetivo del Arte -y de la Cultura en general- es no dejar indiferente a quien la observa y conseguir que se dispare su sensibilidad, esa finalidad es alcanzada por esta película. Totalmente recomendable "Magical Girl": buen guión, buena dirección, y una acertada interpretación de los personajes principales. Hacía tiempo que no disfrutaba con una película española. 



miércoles, 18 de febrero de 2015

Charles Chaplin: "Tiempos modernos"










Sencillamente genial este final de la no menos extraordinaria película de Chaplin, "Tiempos modernos". Cuando el cine es bueno -algo que entendía este polifacético director-, el arte queda impregnado en cada milímetro del film. 
He vuelto a verla y cada vez que lo hago saco mayores conclusiones de ella. El argumento -la depresión en la metrópoli del imperio a finales de los años treinta del pasaso siglo-, refleja los momentos más difíciles de la depresión económica y el hermoso mensaje de esperanza que supone tener junto a ti a alguien por quien pelear. La sonrisa final de Goddard es el arma más letal que hayan inventado contra el sufrimiento. Si he de quedarme con alguna de las muchas magistrales secuencias de la película, sin dudarlo un instante elijo el final de la misma y esta encantadora sonrisa que invita a seguir luchando. 




miércoles, 11 de febrero de 2015

Clint Eastwood: "Jersey Boys"











Con Clint Eastwood ocurre como con las madres: que jamás te fallan. 
He visto su penúltima película, “Jersey Boys” -en contra de las malas críticas que sobre ella recaía-, y la verdad es que he disfrutado de dos horas de cine, que en definitiva es de lo que se trata. Eastwood es un director que nunca falla. Puede gustarte más o menos su producción cinematográfica, pero jamás te dejará indiferente, aunque –como en esta ocasión-, toque un tema poco frecuente en él, el “biopic”, del que maravillosamente sale sobresaliente, dejándonos para el final, acompañando a los títulos de crédito, una pequeña obra maestra del cine musical.
Si el cine es belleza y placer, “Jersey Boys” y Clint Eastwood es cine, confiemos en que nos dure muchos años más para que podamos seguir disfrutando de su buen hacer. 





viernes, 20 de junio de 2014

Ettore Scola: "Una jornada particular"







Genial y conmovedora película de Ettore Scola. Las actuaciones de Sophía Loren y Mastroianni son impecables. Quienes no hayan tenido la ocasión de verla, ahora es el momento de hacerlo, y para aquellos que sí lo hicieron, tienen la oportunidad de revisionarla, seguro que encuentran algo que les pasó desapercibido en la anterior ocasión. 



viernes, 25 de abril de 2014

Charles Chaplin: "Un rey en Nueva York" (Fragmento del niño anarquista)






He de confesaros que Charles Chaplin, junto a Groucho Marx, forman el dúo de políticos universales que más me convencen.
No sabría decir si es por méritos propios o deméritos de los otros, el caso es que desearía tenerlos vivos para oírlos opinar sobre las próximas elecciones a ese tinglado financiero que llaman Unión Europea: seguro que nos dejarían caer alguna "perla" poco agradable hacia ella y los políticos trincones que tienen puestas sus esperanzas en ese paraíso de la ineptitud y el parasitismo que es el Parlamento Europeo. Es una pena que no hayan querido quedarse más tiempo vivos en este asqueroso mundo: "filósofos" como ellos nos harían mucha falta.

El siguiente fragmento pertenece a la película "Un rey en Nueva York", escrita y dirigida por Chaplin en 1957, tras haber tenido que exiliarse tres años antes del Reino de la Democracia (Estados Unidos),  debido a la "caza de brujas" que promovió el senador McCarthy contra todos los sospechosos de "comunismo" que pisaban la "sagrada tierra" de norteamérica. La lección de política comprometida y consecuente que da el "niño anarquista" (Michael Chaplin, hijo del director), es todo un tratado de racionalidad y conceptos básicos democráticos, imprescindibles para ser incluidos en los libros de texto de la escuela primaria, secundaria y universitaria, quizás así no nos "mangonearían" tanto esta casta de políticos mediocres. 
 

martes, 14 de febrero de 2012

Clint Eastwood: "Más allá de la vida"





Los amantes del cine y adoradores de Clint Eastwood, esperamos con fruición sus nuevos trabajos. No nos ha decepcionado, de nuevo surge en estado puro un nuevo fruto de este magnífico director: “Más allá de la vida”.
Si bien es verdad que su último film, “Gran Torino”, que ha sido calificada por numerosos críticos como una de sus mejores obras, no consigue tocarnos la fibra - algo a lo que Eastwood nos tiene acostumbrados-, con “Más allá de la vida”, vuelve a dar lecciones de cine, sin necesidad de enrevesados diálogos, ni espectaculares efectos especiales, a no ser la intensa mirada de un niño que consigue hacernos llegar su soledad y desvalimiento, y unas sobrias notas de guitarra, salidas, naturalmente, de la mente de este artista. Un mosaico de personajes que van encajando bella y armoniosamente, gracias a un guión perfectamente elaborado, a una magistral dirección y a la magnífica y creíble labor de interpretación del elenco de actores, entre los que destaca Matt Damon.

Uno puede no creer en el tema eje de la película, la vida después de la muerte, pero lo que sí creemos es en los lazos invisibles que nos unen a los ser
es que amamos y que perdimos, que su recuerdo, su presencia, pesan sobre nosotros, algunas veces de manera tan abrumadora que casi nos impiden vivir.
Mi más efusivo aplauso a esta nueva obra maestra de Clint Eastwood, el cine es algo fantástico, pero cuando adquiere formas armoniosas y perfectas es un deleite para los sentidos.


Ficha técnica:

País: Estados Unidos

Año: 2010

Director: Clint Eastwood

Reparto: Matt Damon, Bryce Dallas Howard, Jay Mohr, Richard Kind, Cécile De France, Jenifer Lewis, Steve Schirripa, Lindsey Marshal, Mylène Jampanoy, Marthe Keller.

Guión: Peter Morgan

Fotografía: Tom Stern

Música: Clint Eastwood








Autora: Carmela

domingo, 6 de febrero de 2011

Muere John Barry: Autor de la banda sonora de mis sueños




El pasado 30 de enero murió el compositor de música de cine, John Barry, a la edad de 78 años. Barry nació en la localidad de York (Yorkshire), Gran Bretaña, el 3 de noviembre de 1933, y desde muy pequeño estuvo relacionado con el mundillo del celuloide, ya que su padre era propietario de las salas de proyección de la ciudad.
Antes de acabar el colegio ya sabía tocar la trompeta y el piano, participando como trompetista en una banda de jazz de la localidad. Era un gran aficionado a la música clásica (Mahler, Korngold), pero no sería hasta su entrada en el ejército cuando se dedicaría a su formación musical a través de un curso por correspondencia.
Una vez licenciado, realiza trabajos de arreglos musicales y alguna que otra composición. En 1955, con la ayuda de algunos amigos, funda su primera banda: “The John Barry Seven", con la que recorren todo el país, hasta que en 1957 le ofrecen la oportunidad de participar en un programa de la BBC, en el que consigue un rotundo éxito y logran fichar por la discográfica EMI.

Pero no es hasta el año 1960 cuando Barry realiza su primer trabajo para el cine. Sería en la película “Beat Girl”, obra predominantemente de jazzística, acompañando a la voz de Adam Faith, una cantante de gran popularidad en aquella época.
Pero su fama no llegaría hasta que fue contratado para poner música a las cintas de la famosa serie de “James Bond”, que lo lanzaría al estrellato internacional.
Al concluir los 60 la obra de este compositor ofrece ya una madurez total, la cual le es reconocida con la concesión de varios oscar a su labor musical, y también, con la composición de la que, según los entendidos, es su mejor obra: “El León en Invierno”, habiendo realizado anteriormente otra de gran importancia, como "Zulú", y "Nacida libre", con la que también logró el oscar a la mejor BSO y a la mejor canción.
A partir de aquí la fama del compositor no para de extenderse y la demanda de las productoras para que les compongan la banda sonora de sus películas no dejan de sucederse.
Por un tiempo desiste de seguir componiendo para la serie “Bond”, y experimenta con otro tipo de géneros, entre las que debo destacar, por su importancia: "Cawboy de medianoche", "El último valle", "KingKong", "Al filo de la sospecha", hasta que en 1985 compuso la magistral banda sonora para la no menos, maravillosa película, “Memorias de África”, y ya en 1990, “Bailando con Lobos”, para mi gusto, sus dos mejores composiciones, aunque la primera sea criticada por los “doctores” de la materia, como “pastelosa”, “ñoña” y sensiblera, pero que quieren que les cuente, uno tiene sus defectos y le pierden los dulces.




domingo, 21 de noviembre de 2010

Emilio Aragón: "Pájaros de Papel"


Siempre que me dispongo a ver una película española lo hago con cierta reserva, ya que son muchos los “infumables” que una se ha tragado a lo largo de su vida; no sé por qué los realizadores españoles se empeñan en hacer películas mediocres, lentas, faltas de contenido y llenas de primeros planos.
Afortunadamente, de vez en cuando, sale una perla como la que acabo de ver, estoy hablando de “Pájaros de Papel”, rodada en 2010 por Emilio Aragón. Es la primera película que dirige y, desde luego, ha dejado el listón muy alto, una pequeña joyita que todavía no entiendo cómo no fue seleccionada para representar a España en los Oscar. Cada plano, cada secuencia, son pequeñas postales, con una iluminación y una fotografía extraordinarias, por no hablar del elenco de actores, todos fabulosos, y de la magnífica banda sonara, compuesta por el propio Emilio Aragón.

El guión sitúa a los protagonistas en el último año de la guerra civil española y primeros de la postguerra; se trata de un grupo de artistas de vodevil -al que se une un huérfano (Miguel)- que subsisten como pueden en la España dominada por el hambre y el terror, formando una extraña familia.
La historia contiene pequeñas pinceladas autobiográficas del padre del director, el inolvidable Miliki, pues, al igual que éste, el pequeño Miguel emigra a Suramérica, donde consigue grandes éxitos, para regresar, años después, a su tierra natal.
Una bellísima película, con una puesta en escena clasicista, conmovedora, pero sin recargados sentimentalismos, de la que, para rematar, diré que es, adueñándome de una frase publicada en una crítica cinematográfica, “Papiroflexia del corazón”.


Ficha técnica:
País: España
Año: 2010
Dirección: Emilio Aragón
Reparto: Imanol Arias, Luís Homar, Roger Princep, Carmen Machi, Fernando Cayo, Diego Martín, Oriol Vila, Luis Varela, José Angel Egido, Javier Coll, Lola Baldrich, Concha Hidalgo, Asunción Balaguer, Emilio Aragón "Miliki", Pedro Civera, Francisco Merino, Vicente Quirós.
Guión: Emilio Aragón y Fernando Castets
Fotografía: David Omedas
Música: Emilio Aragón






Autora: Carmela
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